Un paseo por el arte

Manuscrito del Apocalipsis (Valladolid, Biblioteca de la Catedral)

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Beato de LiébanaLas ilustraciones de ‘Los cuatro jinetes del Apocalipsis’ insertos en el códice manuscrito del Beato de Liébana, en relación al estilo mozárabe, datados en el año 970 (siglo X), se realizaron en  pergamino e ilustraron con ochenta y siete asombrosas miniaturas de coloraciones muy intensas. Se trata de uno de los más ricos y completos ejemplares de la serie que versa sobre los ¨Comentarios al Apocalipsis de San Juan¨, redactados por el Beato de Liébana, recogiendo comentarios de los Padres de la Iglesia. Es la obra artística más antigua que posee la Biblioteca. Contienen láminas hermosísimas ilustradas, elaboradas por los copistas e iluminadores de los monasterios para dar una mayor expresividad y comprensión al texto. Se elimina el volumen, perspectiva, espacio, dando paso al predominio de la línea y la intensidad colorista tan llamativa que, es lo que se hace destacar en las imágenes de la escena. Se utiliza la técnica del aguazo, los colores se disuelven en agua y se aglutinan con huevo, cola o miel, es una pintura muy adecuada para el papel y el pergamino, bastante opaca y consistente. En la ilustración se utilizaban varias tintas. Los colores se obtenían de pigmentos minerales como por ejemplo, el ultramar que salía del lapislázuli, el amarillo del plomo o del azafrán y el anaranjado del minio ¨óxido de plomo¨, los iluminadores disponían también de pan de oro que se colocaba después de preparar el pergamino con yeso mate. Después la encuadernación consistía en coser los cuadernos y se les colocaban las tapas de madera, aplicando bandas de piel en el lomo para proteger el códice. Hacían referencia a la iconografía religiosa y popular en relación con el románico, con los símbolos, signos y figuras de la época. Respecto a las imágenes ofrecidas en las ilustraciones, las figuras pueden ser reales o fantásticas, como el caballo blanco montado por un jinete con arco que recibe una corona, el caballo alazán y jinete con espada con la que quitará la paz en la tierra, el caballo negro con su jinete portando una balanza y el caballo macilento con un jinete que lleva una espada y que es conocido como ¨muerte¨, tras él, el abismo, siempre con un carácter simbólico benéfico o maléfico.

Eurocentrismo y colonización, culturas dominantes y dominadas…

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Historia do Brazil. Little Boys & Girls, A.B. Geiger
Historia do Brazil. Little Boys & Girls, A.B. Geiger

La relación entre el proceso de formación de la identidad y la relación de las fuerzas de globalización y desterritorialización, son temas que han sido desarrollados en un campo intelectual formado por condiciones específicas para América Latina: el status de “Tercer Mundo”. La historia latinoamericana de inestabilidad política, los gobiernos autoritarios y su característica heterogeneidad social, en particular, la mezcla de herencias española e india descritas por el término mestizaje. Una herencia que ¨borró¨ del mapa a toda una cultura indígena y su identidad cultural.  Los años 70 son una etapa de debate profundo en la relación entre la cultura brasileña (periférica) y las culturas europeas y norteamericanas (centralizada). Como ejemplo, el reflejo de los  mapas híbridos, visionarios y críticos de Anna Bella Geiger, repletos de un clamor anticolonialista y la idea de la descolonización. Nos habla de este espacio borroso, de un encuentro con ¨el medio¨, con el interlineado, con lo que existe entre lo que está definido y delimitado, entre la historia que nos cuenta y lo que queda al no ser contada. Al ser borrado cuestiona de nuevo el ¨orden¨ de la historia. Geiger, mezcla experiencias de su vida privada con las percepciones de un ciudadano que vive en el mundo contemporáneo, tan dramático y negativo, porque dice: ¨lo importante es estar siempre atento a la realidad¨. Lo mismo ocurre con el doble debate entre la cultura brasileña y la europea, la colonización y la identidad cultural, un terreno marcado por el pensamiento fronterizo, una fuerza emergente capaz de desplazar ese  conocimiento de superioridad desde la perspectiva del subalterno, creando un espacio de conversación desde la exterioricidad de una nueva lógica, dar voz a los silenciados, creando su propia historia e identidad. Un pensamiento producido entre el colonizador y el colonizado, emergiendo de ahí el colonialismo interno. La artista apunta:¨los artistas, siempre hemos intentado despertar al hombre. El arte refleja y siempre ha reflejado la realidad vivida por el artista, como medio de conocimiento. En este sentido, el arte también es esperanza. Si no, no valdría la pena existir¨.

Anna Bella Geiger (Río de Janeiro, 1933) estudió Lingüística y Lengua Anglo-germánica y Literatura en Brasil y Sociología e Historia del Arte en la Universidad de Nueva York y el Museo Metropolitano de Arte, una de las más importantes artistas contemporáneas brasileñas,  pionera en introducir el video-arte en Brasil. Posiblemente por ser hija de inmigrantes y vivir en Río de Janeiro, se ocupa de la problemática de la adaptación, la mímesis, el intercambio y la ubicuidad, la búsqueda de lo global en lo local y viceversa. Lo que emerge entre la mímesis y el mimetismo es una escritura, un modo de representación, que marginaliza la monumentalidad de la historia, se burla directamente de su poder como modelo, ese poder que supuestamente la hace imitable.

En los trabajos de Geiger se dialoga con las vertientes conceptuales al indagar sobre el carácter ontológico del arte, también se interroga a los sistemas culturales y políticos que crean y perpetúan el arte. Desarrolla una poética contemporánea del espacio, pero la doble intención contemporánea de la artista se evidencia en el planteamiento de la liberación de la autonomía del arte y de la especificidad de los medios como géneros cerrados manteniendo interdependencias. La artista es creadora de un gran número de producciones, llevadas a cabo con diferentes técnicas: grabados, dibujos, collages, pinturas, esculturas, instalaciones y videos con un estilo individual, la fragmentación de su obra revela, paradójicamente, la fundación de un todo, el significado de su obra surge precisamente la clara dispersión de estilo individual, en la fragmentación deliberada. Abarca infinidad de aspectos integrando en ella la literatura, la filosofía o las ciencias. Se podría decir que su arte bascula entre la figuración, la abstracción y el conceptualismo.

Desarrolla variaciones, mutaciones y transforma con series basadas en el tema territorial tanto mental como político, económico y sentimental, investigando en el concepto de brasilidad y los cambios en las condiciones socio-políticas y culturales narrándolas en primera persona, lo que ella llama ¨ruta antropológica¨. Es uno de los temas centrales de su trabajo, donde intenta “comprender cómo nació Occidente y cómo se fundó el orden mundial moderno”, puesto que la herida colonial señala las ausencias con las que se ha narrado la historia.

 Obra: Brasil 1500-1995
Brasil 1500-1995, A.B. Geiger

La representación cartográfica forma parte en su obra, de forma explícita o algo subliminal a través de conceptos tales como la ubicación, el territorio, centro, periferia, frontera, global. Nos señala que por las condiciones cambiantes de la historia y la geografía, puede exponer situaciones similares en otros ámbitos de la vida, a través del arte, de las ideas y de los objetos integrados en ese momento.

 

 Brasil 1500-1996
Brasil 1500-1996, A.B. Geiger

 

Creó una serie de diseños usando conceptos ideológicos y geopolíticos de “mapa” en la que subraya el uso lingüístico de la palabra, alegando que el norte es el sur y viceversa.Así nos recuerda también que, la demanda colonialista de narrativa lleva dentro de sí la inversión amenazante, un deseo de ¨autorización¨ frente a un proceso de diferenciación cultural hace problemático fijar los objetos nativos del poder colonial como los ¨otros¨ moralizados de la verdad.

Toda su obra refleja la idea de la descolonización. Esta preocupación de la artista relaciona la identidad cultural con el espacio vivido, tan evidente y coherente con nuestro mapa político actual. Este sobrevuelo más oblicuo, cerca de la realidad urbana, le lleva cada vez más a entender la ciudad como soporte de imágenes, mitos y símbolos.

Un lugar puede definirse como lugar de identidad, histórico, un espacio al que se ha sometido a una nulidad, a un proceso de ¨borrado¨ por parte de la historia y sus contradicciones, que no puede definirse ni como espacio de identidad ni como relacional ni como histórico, sufre un deterioro físico y mental en su sociedad, no se le deja llevar a cabo su propia definición.

Entre las muchas cosas de las que los pueblos no europeos fueron privados estaba la posibilidad de crear pensamiento (no de pensar, ya sería mucho decir) a la manera en que el pensamiento se concebía en el Renacimiento, cuando empezó el proceso de colonización y la clasificación de las poblaciones del planeta por su nivel de inteligencia.

Comprometiéndonos a no juzgar ni encasillar a los demás, porque el daño causado, ¨casi¨ irreparable a estos pueblos y lugares en concreto, puede llegar a causar graves problemas locales y globales como los que ya están ahí. Concluir diciendo: ¨que el estereotipo cambiará porque es una injusticia, intentarán corregirlo, porque demonizar a un pueblo es moral y éticamente repudiable¨. Según el Dr. Dussel, ¨la historia no para de cambiar constantemente, así que por esa parte aún nos queda esperanza¨.

La búsqueda de la abstracción

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Resultado de imagen de cuadros hilma af klint Para celebrar el primer aniversario de este blog, mirandoconarte quiere homenajear a Hilma Af Klimt con este post. Descubrirla es muy emocionante, así como te adentras en su obra, más te encandila. Es como encontrar a la ¨genia¨ de la lámpara maravillosa, sólo tienes que frotarla y zááás, das con una auténtica maravilla pictórica. Unos cuadros perfectamente estudiados que rompen con la simplicidad, geniales, todo pensado para que, a través del color se llegue a la forma y a su vez alcanzar una espiritualidad acorde con la concepción del mundo. Hilma Af Klimt (1862-1944) nacida en Suecia y pionera del arte abstracto.  Durante siete años estudió arte en la Real Academia de Bellas Artes de Estocolmo, algo raro por entonces, pero una ley permitió que las mujeres pudieran acceder a ese tipo de estudios, siendo una de las primeras alumnas que compartían esas clases con hombres. Se inició con la pintura figurativa, paisajes, retratos… hasta 1890, que fue cuando empezó a cambiar de tercio con la abstracción. A principios del siglo XX se inicia en las teorías antroposóficas, una afición por las energías ocultas seguida de la búsqueda de la espiritualidad. Entre 1906 y 1915 pintó cerca de 200 pinturas abstractas de grandes formatos. A los 81 años murió sin  haber expuesto ninguno de sus cuadros abstractos.

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Para ella supuso el llegar a una filosofía de la libertad, una libertad, entonces no comprendida por la mayoría, lo que provocó una evasiva de su obra abstracta, que casi podríamos habérnosla perdido, pero por suerte hoy día, los que la hemos descubierto podemos disfrutarla y analizarla. Una obra complicada de analizar, ya que, en oposición a las creencias actuales, nos puede llevar a pensar que, no fue Kandinsky el padre de la abstracción, probablemente se le pudo anticipar Hilma Af Klint.

Hilma af Klint  entendió que la realidad es mucho más que lo que podemos ver, y se interesó por el elemento espiritual de la realidad.. En su trabajo nos introduce una conexión entre lo espiritual y lo material, el macrocosmos y el microcosmos, la luz y la oscuridad, lo femenino y lo masculino, el ying y el yang, creando incógnitas a todos los niveles. Un universo propio de círculos concéntricos, espirales infinitas, óvalos inmensos que pretenden plasmar la totalidad del cosmos, la unidad con el todo. La parte más alegre y colorista de su obra es bastante atrayente para el espectador a la hora de visitar una de sus exposiciones, ya que crea un efecto espectacular y envolvente en las salas y nos invita a adentrarnos como en una especie de mundo de abstracción y color.

 

 

 

 

 

*Fotografías de exposiciones de Hilma Af Klint

Existe un debate abierto sobre quién fue el primero en llegar a la abstracción, muchos aseguran que el mérito fue de Mondrian. Otros apoyan a Malevich, a Kupka o, por tema de gustos a Delaunay. Pero la gran mayoría afirma que el que dio el primer paso adelante decisivo fue Kandinsky, ya que se le conoce su primera acuarela abstracta del año 1912. Todos ellos han sido considerados como los protagonistas del arte abstracto y a partir de ahora sería necesario incluir a Af Klint  entre ellos, ya que por el mero hecho de ser mujer ni siquiera se le consideró. Se cree que fue pionera en este arte, que fue antes que Kandinsky, algunos dicen que incluso 5 o 6 años antes que él, pero en estas informaciones hay discrepancias.

Esta pintora fue influenciada por los movimientos espirituales contemporáneos de su época, como el espiritismo, la teosofía Resultado de imagen de cuadros hilma af klinty la antroposofía. Como punto de inicio partió con obras naturalistas, que a partir de la déca
da de 1890 abandonó, pasando a un estado que la posicionaba en el ¨más allᨠde lo que se podía apreciar con los ojos, como si estuviera en otra dimensión.

En un momento para la historia con inquietudes en el estudio de la ciencia, las matemáticas o la física, en una época de

desarrollo tecnológico, como fue el descubrimiento de los rayos X, donde se situaba al espacio en una envolvente capa de ondas electromagnéticas, todos estos adelantos encandilaron a Hilma y le llevaron a profundizar en un estudio meticuloso, entendiendo que el mundo es mucho más de lo que podemos ver, interesándose especialmente en la composición espiritual de la realidad y la naturaleza. Se encontraron  entre sus pertenencias estudios botánicos de plantas, flores y semillas junto a incompresibles diagramas matemáticos.

Su obra abstracta es una conjugación de todos estos elementos, geometría, simetría, matemáticas, mezclas de resonancias simbolistas y desconcertadas abstracciones.

mirandoconarte rinde este pequeño homenaje a la artista Hilma Af Klimt en su primer aniversario.

Principio de error_

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Principio de error_, así se llama la obra de esta artista serverina, Natalia Fariñas,

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¨Ejecución¨

expuesta hasta finales de navidad en la galería de Arte Can Dinsky de Son Servera. La artista trata de interpretar mediante el uso de grafito y tipp-Ex  imágenes que forman parte de la Historia del Arte. La obra evidencia que, más que borrar la historia, se está generando otra a partir de ella.

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¨Arte Toda la Historia¨

Reescribe una nueva historia que pretendía cuestionar y la cual no quiere reconstruir. Nos habla de ese espacio borroso, de un encuentro con ¨el medio¨, con el interlineado, con lo que existe entre lo que esta delimitado, entre la historia que nos cuenta y lo que queda al no ser contada. Lo interesante de este proyecto es, tal y como la autora reflexiona, es el ir ¨más allᨠde las palabras o los bolígrafos seleccionados, del camino del discurso inclinado, está el entrelineado, todos aquellos tachones que se sacrificaron por estas palabras, todos esos márgenes que se convirtieron en centro. Se posiciona en un discurso abierto y permeable, en el que el lector es libre de borrar el texto y/o las imágenes que configuran esta memoria de memoria(s).  Los lugares ¨como indicadores del tiempo que pasa y sobrevive¨ y los no-lugares, provisionales y efímeros, existentes al igual que los lugares.

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Galería Can Dinsky

Quizá la mejor manera de acercarse a la obra de Natalia Fariñas sea observarla a partir de estos presupuestos, separándonos de todo lo ya conocido para establecer nuevos caminos, nuevas interpretaciones. Tal vez sea el momento de ¨borrar¨ lo aprendido, de situarse fuera, y al contrario que la autora, creer por un momento en los puntos y aparte y pensar en el ¨arte como un viaje de conocimiento¨ en la interferencia y el error como principios de la contradicción y de la duda, y en ellas como creadoras de aptitudes y capacidades híbridas que generan a partir del error un nuevo tipo de comunicación: la interpretación.

mirandoconarte te recomienda visualizar el trabajo de esta artista en un espacio no-borrado, aunque si el espectador lo considera, se puede observar con diferentes matices y muchas imperfecciones, como vehículo de representación de todas las formas de conocimiento.

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Natalia Fariñas

Natalia Fariñas (Son Servera, Mallorca, 1987 – ….., 20…)

La arquitectura modernista del Gran Hotel

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GRAN HOTEL EN PALMA DE MALLORCA (1903, principios del siglo XX).

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Fachada Gran Hotel
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Detalle de cerámica esmaltada en la fachada

Este emblemático edificio de carácter modernista, situado en el número 3 de la Plaza Weiler, fue proyectado por el arquitecto Lluís Domènech Montaner en el año 1901 y finalizado 1903, en principio fue diseñado para que cumpliera con las funciones de establecimiento hotelero de lujo en el centro de la ciudad. Su estructura perfectamente acoplada con la decoración exterior, nos muestra elementos de carácter oriental y neogótico, bajo una influencia modernista catalana, puesto que Domènech era catalán. Detalles varios en su fachada nos muestran figuras de águila, capiteles con motivos florales, baldosas policromadas, etc.. Sigue una mezcla de técnicas mixtas combinando todo tipo de manifestaciones artísticas, lo que demuestra la habilidad del autor para unificar todas las artes como, escultura, cerámica, pintura, que se fusionan en una ornamentación fabulosa. Todo viable gracias a las manos de los artesanos de la época, ejecutores que llevaban a cabo el proyecto, años más tarde, hacia 1993 el edificio queda rehabilitado y acondicionado con algunas modificaciones, una reforma que no escatimó en costes y en la que trabajaron multitud de profesionales. En su fachada podemos encontrar formas geométricas y curvilineas, como sus grandes balcones semicirculares sobresalientes ideados por Domènech, que quedan perfectamente integrados en los ángulos de sus dos fachadas, construidas con materiales de piedra calcárea y arenisca. Destacando su decoración exterior, también podemos fijar nuestra mirada en los maravillosos vitrales emplomados de sus ventanas rectangulares, pinturas en sus muros, cerámicas esmaltadas, barandillas y ornamentaciones de hierro forjado.

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Detalle balcón en fachada
Detalle balaustrada del balcón
Detalle balaustrada del balcón
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Entrada principal del edificio

 

 

 

 

 

 

Los motivos florales, vegetales, geométricos, se combinan con personajes esculpidos en los muros y balconadas revestidas, esculturas integradas como, dragones y figuras humanas, realizadas con piedras traídas de Porreras y Santany, todo esto crea un conjunto que resalta su volumen estructural. En la entrada y planta baja del edificio nos acogen unas grandes arcadas apoyadas sobre columnas y angulosos zócalos que, recuerdan a los patios con porche de las

Fachada frontal
Fachada frontal
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Chaflán de la fachada

casas catalanas tradicionales. Todos sus muros estudiados meticulosamente, en la planta superior se encuentran los elementos de coronación del edificio que le aportan en su conjunto una elegancia propia y original, todo esto hizo que se convirtiera en una de las construcciones de mayor belleza de la ciudad. Actualmente se utiliza como sala de exposiciones, conferencias, biblioteca, librería, bar-restaurante y alberga una exposición de pintura permanente de Anglada-Camarasa, es la sede de la Fundación ¨La Caixa¨ en Palma.

*Fotografías: Jaime Vaquer

mirandoconarte te recomienda visitar este emblemático y singular edificio, una joya modernista en pleno centro de la ciudad de Palma.

La joven de la perla es una buena elección

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Fotograma de la película
Fotograma de la película

Me gustaría recomendar la película ¨La joven de la perla¨ (2003), que desde mi punto de vista es siempre una buena elección, porque es mucho más que un simple guión bien construido.  Se trata de una gran creación artística que nos muestra las diferencias sociales en un mundo barroco lleno de intuiciones. Cuando el pintor Vermeer decide inmortalizar la mirada femenina de la joven, a ella le trae problemas con la familia de este, especialmente con su esposa. Todo sucede en un espacio cerrado, donde hay lugar para el trabajo duro y el aprendizaje. Con una excelente fotografía, donde cada fotograma es como un cuadro del pintor. En esta obra cinematográfica ¨La joven de la perla¨ lo que me llamó la atención, fue la estética conseguida por la dirección de fotografía que, consigue adentrarnos en un mundo interior y recrear el ambiente y la época del siglo XVII, a través de un trabajo preciso y perfectamente estudiado en cada fotograma. Para poder involucrar al espectador, hay que introducirlo en el mismo entorno en el que se movía Vermeer , una habitación donde resaltaba la luz que entraba por la ventana, como se puede observar en la mayoría de sus cuadros. Una estética que persigue la influencia de la pintura holandesa, que a su vez ésta, se ve inmersa en la entrada del barroco en Europa. Un análisis de la obra, dirigido a cómo afecta la luz en los planos, en la composición, en la perspectiva y en la geometría que, previamente captó el pintor en su momento. A la vez que nos percatamos de la filosofía de cada plano y qué nos insinúa, más allá de ese lenguaje audiovisual. Entre el artista y la criada se crea un reprimido romanticismo que lleva a Vermeer a pintarla, así la historia gira en torno al cuadro, creando una atmósfera de contratiempos, ajustados en el color y la luminosidad. E. Serra supervisando los parámetros técnicos y artísticos en cada uno de sus planos que, son como lienzos en movimiento, destacando intensas miradas, sentimientos y obligados silencios de los personajes.

fotograma de la película
fotograma de la película
Fotograma de la película
Fotograma de la película
Fotograma de la película
Fotograma de la película

 

 

 

 

 

 

 

Los apuros en los que se ve involucrada la protagonista se realzan con una exactitud de contrastes y una ambientación sobrecogedora. Descubrir que pautas sigue la dirección de fotografía en esta obra maestra del cine, donde cada fotograma es como un cuadro del artista, son las causas fundamentales que me llevan a dicha recomendación. El pintor, uno de mis favoritos, por su minuciosidad, perfección y belleza, recreó esos ambientes interiores de una manera excepcional. Uno de los genios holandeses muy admirado en el mundo del arte. Al ver la película, comprendí que es un reflejo de todo ese potencial que, sumando todo el conjunto, ese arte se multiplica por 99 minutos.

Cien cabezas

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Andreas Wiehl
Andreas Wiehl

Del 28 de octubre al 4 de noviembre se puede

una de las cabezas de su obra
una de las cabezas de su obra

visitar en las salas de exposiciones del centro Melis Cursach en Capdepera (Mallorca) la exposición-instalación de Andreas Wiehl con una temática que lleva como título ¨Cien cabezas¨, aunque expuestas suman un total de 256. Integradas en un entorno ideal, donde se fusionan las figuras con el propio espacio y forman una conjunción de las partes con la suma del todo. Una mirada hacia el interior de cada rostro en particular, algunas sonríen, otras expresan melancolía, jóvenes, con surcos en la piel, incluso algunas parecen sacadas de un mundo extraterrestre. Una de las series de estas mini esculturas está inspirada en las estatuas de la Antigua Roma y otras, en su mayoría, por azar, ya que no existe ningún ser humano idéntico, todo depende de las cualidades que te de la vida, al igual que sus caras, sacadas como del oráculo de Delfos, fabricadas una a una artesanalmente por este artista de Munich.

otra de las cabezas de la obra
otra de las cabezas de su obra
otra de las cabezas de su obra
otra de las cabezas de su obra

 No os olvidéis que podéis visitarla de lunes a viernes de 18-20h. y los miércoles de 10-13h. en el Casal Melis-Cursach de Capdepera (Mallorca).